Benedetta Sanrocco, classe 1991, è una artista visiva italiana. Ha studiato Lettere Moderne all’Università di Chieti e ha conseguito un Master alla Scuola di Fotografia Meshroom di Pescara. Ha seguito corsi e workshop tenuti da artisti del panorama internazionale (Erik Kessels, Israel Ariño, Mario Cresci, Federico Clavarino e Niccolò Fano). Nel 2021 il collettivo Stasis ha inaugurato la sua nuova sede di Torino con una mostra personale dedicata a uno dei suoi lavori (Mnemosine) e da questa esperienza ne è uscita una fanzine. Nel 2022 è stata selezionata per il programma di ricerca Esaurire/Altrimenti del collettivo curatoriale CampoBase, ha vinto il concorso Incontri di Fotografia e il Premio Nazionale Musa per fotografe nella sezione Progetto Personale, Fotografia Concettuale, Ricerca, Still Life.
Cos’è per te la fotografia?
Per me la Fotografia rappresenta uno dei possibili linguaggi espressivi. L’ Arte ha
sempre fatto parte della mia vita nelle forme più disparate, dalla Danza alla Fotografia. La sperimentazione di varie discipline artistiche mi ha permesso di approdare alla Fotografia con maggiore consapevolezza: ogni tentativo di esperienza è qualcosa di prezioso che custodisco ancora oggi e, in modo trasversale, fa parte della mia pratica attuale.
Il mio è sempre stato un percorso errabondo, mai lineare. Alla Fotografia ci sono arrivata attraverso i miei studi Universitari. Il corso di Storia del Cinema mi ha fatto innamorare della Semiotica dell’Immagine, tanto da voler accompagnare alla teoria anche la pratica.
Adesso però sono in una fase della mia ricerca artistica in cui sento l’esigenza di andare oltre la Fotografia propriamente detta, e nelle mie opere cerco di abbracciare la contaminazione di diversi linguaggi. Sempre partendo da un incipit fotografico mi sono sperimentata con il montaggio video, con la scrittura e con l’installazione. Sebbene lasciare la comfort zone di un linguaggio di cui ho imparato la grammatica non sia stato un passaggio semplice è stato necessario per la mia persona e per la mia pratica. Non ho mai visto la fotografia come un punto di arrivo.
Qual è la cosa che avresti voliuto sapere quando hai iniziato a fotografare?
Sono due le cose che avrei voluto sapere quando ho iniziato questo percorso:
1- Non è necessario avere una macchina fotografica per fare Fotografia. Può benissimo assolvere questo compito anche un computer, uno scanner, un microscopio, delle vecchie riviste o addirittura un semplice filo per cucire.
Ho capito che il mezzo non era indispensabile la prima volta che ho preso la mia macchina fotografica in mano; l’avevo bramata tanto, non vedevo l’ora di poterne avere finalmente una tutta mia, perché avevo già frequentato due corsi di Fotografia quando sono riuscita ad acquistarne una di seconda mano lavorando in un call center durante l’Università. Ecco, nonostante la buona infarinatura tecnica, quando per la prima volta mi sono trovata a tu per tu con quello strumento mi sono chiesta: ‘’E adesso che faccio?’’ o meglio ‘’Adesso che faccio rispetto a quanto non potessi già fare col mio smartphone?’’. Ho capito immediatamente che quello che conta davvero è avere qualcosa da dire.
2- Uno degli aspetti più complessi dell’ambito fotografico è quello di liberarsi dalla spasmodica voglia di replicare quanto abbiamo già visto. E questo è sicuramente un cruccio col quale è necessario confrontarsi costantemente, sia quando si è alle prime armi, sia quando si fotografa da più tempo.
Negli autori e nei professionisti questo accade perché dietro l’angolo c’è sempre il rischio di farsi fagocitare dalla brama della fama, cedendo al vezzo di cavalcare l’onda di tematiche ed estetiche in voga in quel momento. E questo stesso atteggiamento si traspone poi in maniera analoga anche a coloro che non lavorano con l’immagine.
Per rendersi conto di questo basta scrollare il nostro feed di Instagram: tutti quei caroselli composti da immagini divertenti, che si alternano a selfie, a meme, a foto sgranate senza motivo di esserlo, e ancora ad altre immagini divertenti, non sono nient’altro che la dimostrazione di un’omologazione imperante. Il confronto con ciò che è diverso, con ciò che è altro da noi, ci terrorizza. L’immagine viene privata dal suo intento comunicativo, tutto si riduce al solo consumo rassicurante di tic estetici già consolidati e la fotografia diventa uno psicodramma senza prospettive di comunicazione.
Qual è il tema più significativo della tua Fotografia?
Nel primo periodo della mia ricerca artistica mi sono concentrata sull’analisi dell’identità intesa come concetto complesso e polimorfo; ho lavorato a progetti riguardanti il rapporto tra identità e costruzione culturale, o identità e memoria, analizzate sempre da un punto di vista metaforico e simbolico.
Adesso però col passare del tempo e con una maggiore consapevolezza sia personale che artistica riesco a vedere meglio la stratificazione dei significati che caratterizza la mia pratica. Ho capito che, sebbene io continui ad interrogarmi sul concetto di identità e a portare questo dilemma nei miei lavori, questi tendono ad indagare tutto ciò che è liminale, tutto ciò che sfugge a una definizione precisa, perché si trova in spazio nebuloso, minimo ed impercettibile che sta tra due confini.
Sono profondamente affascinata dal linguaggio in tutti i suoi aspetti; attraverso di esso siamo in grado di forgiare il nostro modo di pensare, ma allo stesso tempo il linguaggio, e la parola in particolare, servono a dare una definizione, ovvero costruiscono intorno ad un concetto dei limiti, dei confini. Mi interessa coltivare il dubbio, sono proiettata ad interrogarmi su tutto ciò che difficilmente trova una collocazione e uno spazio, all’interno di un contesto e in particolare della società.
La diretta conseguenza dell’affrontare questo tipo di indagine è quella poi di analizzare un ulteriore tema, sicuramente quello a me più caro, ovvero quello che riguarda le vite degli ultimi e della dignità, dello spazio, che queste esistenze rivendicano e meritano.
Ci sono degli elementi specifici in Natura che ispirano il tuo lavoro?
Occupandomi di temi che hanno più a che fare con la sociologia e la politica sicuramente la Natura non è al centro della mia ricerca, in qualche modo però anche questa costituisce una fonte di ispirazione ed è entrata a far parte dei miei lavori. Io provengo da un piccolo paese dell’Abruzzo che si trova a metà strada tra mare e montagna; da dove abito ci si impiega lo stesso tempo per raggiungere l’uno o l’altra, esattamente 20 minuti.
Il mare non si vede, la montagna, la Maiella, invece è così imponente che sembra abbracciare tutto il paesaggio. Con i suoi cambi d’abito è il metronomo più affidabile per vedere scorrere il tempo, per osservare le stagioni inseguirsi. Per noi lei è Mater Maia, una madre benevola ed accogliente ma allo stesso tempo severa ed imperturbabile, al cui sguardo è impossibile sottrarsi. Ogni volta che viaggio e sono sulla strada del ritorno, solo quando finalmente inizio a scorgere la montagna mi sento davvero a casa; è il Nord della mia bussola interiore.
Nei miei progetti fotografici la montagna è quasi sempre presente, sia sotto forma di paesaggio, sia negli elementi che la costituiscono. Nel mio ultimo lavoro, un’installazione sul tema della Provincia Italiana ho inserito proprio lei, la Maiella, ricalcandone il profilo e utilizzandolo come linea guida per posizionare delle mensole sopra le quali ho poi sistemato le sculture che compongono l’opera.
Raccontaci un po’ del tuo progetto “Chocolate & dirty clothes“…
‘’Chocolate & dirty clothes’’ è la frase che tutti i migranti recitavano alla dogana quando rientravano in Italia; alla domanda ‘’cosa hai da dichiarare?’’ la risposta era sempre la stessa: ‘’panni sporchi e cioccolata per i bambini’’.
Questo è un progetto d’archivio che parte dalla storia di mio nonno materno, Antonio Pantalone, che alla fine degli anni Cinquanta è partito dall’Abruzzo per trasferirsi come lavoratore stagionale in Svizzera. Nel 1962 però, all’età di 39 anni, ha perso la vita nel cantiere dove lavorava, gli sono crollate addosso tonnellate di terra e ghiaia, ma prima di morire ha fatto da scudo col suo corpo e ha salvato la vita di un suo collega, anche lui emigrato dall’Italia, Angelo Lezoli.
Per tutta la vita la famiglia di mia madre ha tentato di rintracciare quell’uomo, invano; i giornali Svizzeri dell’epoca che parlavano dell’accaduto avevano trascritto male i nomi di entrambi, sia quello di mio nonno che quello di Angelo Lezoli. Solo dopo una lunga ricerca io sono riuscita a risalire al suo vero nominativo; ho scandagliato i quotidiani e i settimanali che mia madre custodiva gelosamente per trovare qualche traccia che potesse aiutarmi nella ricerca, ma l’unico punto di riferimento era la provincia di provenienza di quell’uomo, Parma.
Attraverso un database digitale di lapidi dell’Archivio di Stato ho cercato tutte le persone che in quel territorio avessero un cognome simile al suo. Dopo diversi tentativi ho finalmente riconosciuto il volto diAngelo Lezoli, che avevo imparato nel tempo a delineare attraverso le fotografie di quei giornali, e anche se ormai era un viso diverso, invecchiato, non ho avuto alcun dubbio: era proprio lui. In questo modo sono riuscita a mettermi in contatto con i figli e ad incontrarli.
Per questo lavoro ho scelto di utilizzare solo le immagini che ho trovato negli archivi delle nostre due famiglie. Attraverso i racconti di mia madre sono riuscita a costruire un immaginario: ho collezionato frammenti, spazi interstiziali e dettagli impalpabili per raccontare un’assenza che si manifesta sempre, per riflettere su quanto rimane a chi aspetta al di qua del confine.
Il progetto è mosso sicuramente dalla necessità di approfondire una storia che mi ha segnata e che, in qualche modo, ha fortemente contribuito a rendermi la persona che sono oggi, ma allo stesso tempo è anche il mio modo per provare a fornire un punto di vista diverso dalla narrazione alla quale i media ci hanno abituati su un fenomeno sempre attualissimo come quello migratorio.
Il termine migrazione ha sempre una doppia valenza poiché al suo interno si fondono sia la questione dell’emigrazione che quella dell’immigrazione. In Italia, questa dicotomia è lampante; da una parte abbiamo la cosiddetta ‘’fuga di cervelli’’ dei giovani verso gli Stati Uniti e il Nord Europa, mentre, dall’altra parte, vediamo come ogni giorno migliaia di migranti rischiano la propria vita attraversando il Mediterraneo per raggiungere le coste italiane nel disperato tentativo di trovareuna vita migliore.
La narrazione martellante a cui il media ci hanno abituati su questo argomento, tuttavia, è quella della documentazione sistematica che considera queste persone solo come parte di un fenomeno, relegandoli a numeri, privandoli delle loro storie personali, della loro identità. Ed è una narrazione impari, nel caso degli emigranti l’atteggiamento è sempre quello di parlarne in modo eroico, nel caso degli immigrati questo atteggiamento invece viene quasi sempre a mancare.
Per questo ho scelto di attingere a fonti private: per dare dignità a quelle trasmissioni che sono state scartate o ignorate dalla Storia ufficiale. La Memoria implica un atto di redenzione, ciò che è ricordato viene salvato dall’annullamento.
“It’s not necessary to have a camera to do photography.” Interview with visual artist Benedetta Sanrocco
Benedetta Sanrocco (1991) is an Italian visual artist. She studied Modern Literature at the University and obtained a “Master’s in Photographic Project” at the Meshroom School of Photography in Pescara. During her training, she took courses and workshops with artists from the international scene such as Erik Kessels and Israel Ariño, Mario Cresci, Federico Clavarino, and Niccolò Fano. In 2021, the Stasis collective inaugurated their new headquarters in Turin with a solo exhibition featuring one of her works and produced a fanzine. In 2022, she was selected for the research program “Esaurire/Altrimenti” by the curatorial collective CampoBase, and she won the Incontri di Fotografia competition and the National Musa Award in the Personal Project, Conceptual Photography, Research, and Still Life section.
What does photography mean to you?
For me, Photography represents one of the possible expressive languages. Let me explain myself better, Art has always been part of my life, and I have explored it in many different forms. The first practice that I chose to engage with was Dance, and then I experimented with other artistic disciplines that allowed me to approach Photography with greater awareness. These attempts remain valuable experiments for me, and everything that they have given me is still part of my current practice. My journey has always been wandering, never linear, and I came to Photography through my university studies. While attending the Faculty of Modern Literature, among the various courses, I took a course in the History of Cinema, which allowed me to really get in touch with the Semiotics of the Image. I fell in love with it, so much so that I wanted to accompany theory with practice. However, now I am in a phase of my artistic research where I feel the need to go beyond Photography proper, and in my works, I try to embrace the contamination of different languages. Always starting from a photographic inception, I experimented with video editing, writing, and installation. Although leaving the comfort zone of a language whose grammar I have learned was not an easy step, it was necessary for me and my practice. I have never seen photography as a final destination.
What is the one thing you wish you knew when you started taking photos?
There are two things I wish I had known when I started on this path.
The first is definitely that it is not necessary to have a camera to do photography. A computer, scanner, microscope, old magazines, or even a simple sewing thread can fulfill this task. I understood that the medium was not essential the first time I picked up my camera. I had longed for it so much, and I couldn’t wait to finally have one of my own because I had already taken two photography courses when I managed to buy a second-hand one thanks to my work in a call center during university. So, despite having a good knowledge of technique, when I found myself face to face with that tool for the first time, I asked myself, “Now what do I do?” or rather, “What can I do with this that I couldn’t already do with my smartphone?” I immediately realized that what really matters is having something to say.
The other thing I wish I had known is that one of the most complex aspects in this field is to free oneself from the spasmodic desire to replicate what we have already seen. And this is certainly a concern that we must constantly confront, both when we are beginners and when we have been taking photographs for a long time. In authors and professionals, this happens because there is always the risk of being swallowed up by the desire for fame, succumbing to the whim of riding the wave of themes and aesthetics in vogue at that time. And this same attitude is transposed in a similar way also to those who do not work with the image. To realize this, all one has to do is scroll through our Instagram feed; all those carousels made up of funny images, alternating with selfies, memes, blurry photos for no reason, and more funny images, are nothing but a demonstration of prevailing homogenization. The comparison with what is different, with what is other than us, terrifies us; the image is deprived of its communicative intent, everything is reduced to the reassuring consumption of already consolidated aesthetic tics, and photography becomes a psychodrama without communication prospects.
What is the most significant theme of your photography?
In the first period of my artistic research, I focused on the analysis of identity as a complex and polymorphous concept; I worked on projects concerning the relationship between identity and cultural construction, or identity and memory, always analyzed from a metaphorical and symbolic point of view. However, now, with the passing of time and a greater personal and artistic awareness, I am better able to see the layering of meanings that characterizes my practice; I have understood that, although I continue to question the concept of identity and bring this dilemma into my works, they tend more to an investigation of everything that is liminal, that is, everything that escapes a precise definition because it occupies the nebulous, minimal, and imperceptible space that lies between two borders. I am deeply fascinated by language in all its aspects: through it, we are able to shape our way of thinking, but at the same time, language, and the word in particular, serve to give a definition, that is, they build limits, borders, around a concept, and since I am interested in cultivating doubt, I am projected to question much more about everything that hardly finds a place and a space within a context, and in particular of society. The direct consequence of tackling this type of investigation is to then analyze a further theme, certainly the one closest to my heart, which concerns the lives of the marginalized and their dignity, of the space, which these existences claim and destination.
Are there any specific elements in Nature that inspire your work as a photographer?
Dealing with themes that have more to do with sociology and politics, nature is certainly not at the center of my research, but in some way it also constitutes a source of inspiration and has become part of my work. I come from a small town in Abruzzo that is halfway between the sea and the mountains, from where I live it takes the same amount of time to reach either, exactly 20 minutes. You can’t see the sea, but the mountain, the Maiella, is so imposing that it seems to embrace the whole landscape. With its changing clothes, it is the most reliable metronome for seeing time pass, for watching the seasons chase each other. For us, it is “Mater Maia”, a benevolent and welcoming mother, but at the same time severe and unflappable, whose gaze is impossible to escape. Every time I travel and am on the way back, only when I finally start to see it, I feel truly at home; it is the North on my inner compass. In my photographic projects, the mountain is almost always present, both in the form of a landscape and in the elements that make it up. In my latest work, an installation on the theme of the Italian Province, I included it, the Maiella, tracing its profile and using it as a guideline to position shelves on which I then placed the sculptures that make up the work.
Tell us about “Chocolate & Dirty Clothes”.
Chocolate & dirty clothes” is the phrase that all migrants recited at customs when they returned to Italy; when asked “what do you have to declare?” the answer was always the same: “dirty clothes and chocolat for the children”. This is an archival project that starts from the story of my maternal grandfather, AntonioPantalone, who in the late 1950s left Abruzzo to work seasonally in Switzerland. In 1962, however, at the age of 39, he lost his life on the construction site where he worked when tons of soil and gravel collapsed on him. But before he died, he shielded his body and saved the life of his colleague, also an Italian immigrant, Angelo Lezoli. Throughout their life, the family of my mother tried to find that man, in vain. The Swiss newspapers of the time that reported the incident had misspelled the names of both: my grandfather and Angelo Lezoli.
Only after a long search did I manage to find his real name. I scoured the newspapers and magazines that my mother jealously guarded to find some clue that could help me in my search, but the only reference point was the province of origin of that man, Parma. So through a digital database of gravestones in the State Archives, I searched for all the people in that area who had a surname similar to his, and after several attempts, I finally recognized the face of Angelo Lezoli, whom I had learned over time to delineate through the photographs of those newspapers. And even though it was a different face, aged, I had no doubt: it was him. In this way, I managed to get in touch with his sons and meet them.
For this work, I chose to use only the images that I found in the archives of our two families. Through my mother’s stories, I was able to construct an imaginary: I collected fragments, interstitial spaces, and impalpable details to tell an absence that always manifests itself, to reflect on what remains for those who wait on this side of the border. The project is certainly driven by the need to deepen a story that has marked me and that, in some way, has strongly contributed to making me the person I am today. But at the same time, it is also my way of trying to provide a different perspective from the narrative to which the media have accustomed us on a phenomenon that is always very current, such as migration.
The term migration always has a double meaning because it blends both the issue of emigration and immigration. In Italy, this dichotomy is glaring; on the one hand, we have the so-called “brain drain” of young people to the United States and Northern Europe, while on the other hand, we see how every day thousands of migrants risk their lives crossing the Mediterranean to reach the Italian shores in a desperate attempt to find a better life. The relentless narrative to which the media have accustomed us on this topic, however, is that of systematic documentation that considers these people only as part of a phenomenon, relegating them to numbers, depriving them of their personal stories, their identity. And it is an unfair narrative, in the case of emigrants, the attitude is always to speak of them in heroic terms, while in the case of immigrants, this attitude is almost always lacking. That is why I chose to draw from private sources: to give dignity to those transmissions that have been discarded or ignored by official History. Memory implies an act of redemption, what is remembered is saved from annulment.
Pigiama Magazine ☾ 