Imbattersi nell’arte dell’avanguardia femminista degli anni Settanta è un’operazione delicata ma quanto mai utile anche oggi, alla luce della riflessione che ancora investe il corpo della donna e la sua rappresentazione. Nella creatività portata alla luce dalle giovani outsider proprio in quegli anni, c’è la chiave per interpretare una nuova grammatica e un linguaggio fatto di simboli ed espressioni nuove, dove il corpo assume via via una funzione totalizzante e drammatica e da oggetto di desiderio sessuale diventa ricerca, autoriflessione e sperimentazione.

La volontà comune è quella di decostruire l’immagine della donna vista dal punto di vista maschile, sottraendo ad essa quegli stereotipi, proiezioni e desideri che l’hanno ingabbiata per secoli, lasciandola così intatta nella sua nudità. Tra le fotografe e le performer che si sono distinte per la capacità di rilevare nella loro forza e crudeltà tutte le contraddizioni dell’animo umano, così come il rapporto tra l’individualità del sé e l’esterno, la fotografia di Francesca Woodman e la body art di Gina Pane hanno nel corpo il loro punto di partenza.

Le opere di Francesca Woodman furono realizzate nell’arco di nove anni, dal 1972 al 1981. Originaria del Colorado, ricevette a tredici anni la sua prima macchina fotografica in regalo, uno strumento che nel corso del tempo le permise di sentirsi libera, fuggendo alle convenzioni sociali e condividendo un’interiorità complessa, che non riuscirà mai ad essere etichettata. Oltre a sé stessa, nei suoi scatti compaiono anche l’amica e collaboratrice Sloan Rankin Keck e il compagno Benjamin Moore.

I ritratti per lo più sono nudi femminili in bianco e nero, spesso con il volto sfocato e oscurato (un effetto ottenuto dalla Woodman grazie alla lunga esposizione), una tecnica che permise all’artista di creare la tipica fusione del corpo con l’ambiente. Some Disordered Interior Geometries è l’unica opera, una collezione di foto, che Francesca pubblica nel gennaio del 1981. Quello stesso mese, infatti, la sua carriera artistica si interrompe bruscamente a soli 22 anni, dal momento che la giovane si toglie la vita gettandosi dalla finestra di un loft, nell’East Side di New York.

In Some Disordered Interior Geometries l’artista interviene inserendo scatti e annotazioni all’interno di un manuale di geometria per studenti in italiano: Esercizi Graduati di Geometria. Francesca Woodman si confronta così con la dirompenza del corpo che dialoga con oggetti inanimati, una “natura morta” che si sovrappone come risposta a una serie di forme geometriche illustrate all’interno dell’opera di partenza. Sono proprio le geometrie che vengono ricreate dall’artista utilizzando la vitalità del corpo, ma anche gli spazi tra i mobili, le pareti e i pavimenti degli edifici.

Carta da parati scrostate, muri di case abbandonate che si mimetizzano con la sua nudità: lì dove il piacere si mescola al dolore e la sensualità si confonde con la durezza, Francesca Woodman dà voce alla sua immaginazione, perde sé stessa nella sua fisicità in rapporto al contesto, una metamorfosi che si ritrova nelle sue opere in bianco e nero e in piccolo formato, raccolte nei quaderni e nei diari. Insieme a lei, spesso protagonista negli scatti, lo spazio lo prendono la natura con foreste, uccelli e alberi, elementi di un racconto fatto di malinconia e tristezza, dove la divisione tra soggetto e oggetto lascia spazio a una trasformazione dal sapore surrealista, creando così una poetica unica nella storia della fotografia.   

Il corpo può essere nell’arte anche il collegamento tra l’invisibile e ciò che è terreno e questo concetto lo ha espresso con una forza quanto mai rivelatrice Gina Pane, artista italo francese esponente della body art e scultrice che ha fatto del corpo uno strumento importante della sua ricerca artistica. Nata in Francia da padre italiano e madre austriaca, al centro della sua opera c’è sempre stata la riflessione sul divino, ma visto attraverso gli occhi dell’umana coscienza, quella fatta di sangue e di ossa.

Per comprenderne appieno lo spessore e la portata della sua rivoluzione artistica, è importante soffermarsi sull’intera ricerca, che nel corso degli anni si avvale di linguaggi differenti per indagare il rapporto intrinseco tra la natura e l’uomo. Se nella prima fase l’attenzione è sulle azioni dei fenomeni naturali con Dessin verrouillé (1968), Pierres deplacées (1968), Peche endeuillée (1968) e Stripe-Rake (1969), nella seconda fase della sua carriera artistica, il corpo femminile diventa una cassa armonica, attraverso cui l’artista comunica con il suo pubblico evocando l’esperienza della sofferenza condivisa.

Se in “Il bianco non esiste” Gina Pane si ferisce il viso utilizzando una lametta,lì dove ogni ferita simboleggia un abuso subito da una donna ed ogni taglio diventa espressione di un dolore femminile condiviso, in “Azione Sentimentale” – la performance forse più conosciuta – l’artista indaga sul ruolo del martirio, ma anche sullo stereotipo che vede la donna indossare i panni di sposa, moglie e madre. L’azione si svolse nel 1973 nella Galleria Diagramma e a Parigi, al Centre Pompidou.

Gina Pane si presenta al suo pubblico, rappresentato da sole donne, vestita con completo bianco (chiaro rimando alla sposa cattolica) e in mano un mazzo di rose rosse e uno di rose bianche. Piano piano l’artista stacca le spine da ciascuna rosa e le conficca sul suo braccio, così da far fuoriuscire il sangue che macchia il bianco degli indumenti e il mazzo di rose rosse viene sostituito da fiori bianchi.  Ogni gesto all’interno della rappresentazione diventa un rituale, le spine sono il simbolo del tormento inflitto alle donne, mentre il corpo appare nella sua funzione rivelatrice: fragile e umano, su di esso si esprime tutta la violenza e l’aggressione di cui siamo ogni giorno vittime.

Francesca Woodman e Gina Pane sono due artiste accomunate da una ricerca che fa del proprio corpo un punto di partenza e la chiave espressiva per riflettere su di sé e sul limite imposto dalla sofferenza umana. Uno specchio che non spaventa, ma offre uno sguardo destrutturato e rivoluzionario con cui guardare il mondo e scardinare il linguaggio, sottolineando come i mezzi espressivi classici possano manifestarsi in tutta la loro inadeguatezza.

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The body as a mirror of female emancipation, from Francesca Woodman to Gina Pane

Investigating the art of the 1970s feminist avant-garde is a delicate operation. However, it is so important nowadays, considering the still relevant thought around woman’s body and its representation. Precisely in those years, the creativity uncovered by young female outsiders reveals a new grammar and language made up of original symbols and expressions, where the body gradually takes on a totalizing and dramatic function and passes from an object of sexual desire to research, self-reflection and experimentation.

The common objective is to deconstruct the female image seen from the male perspective, removing it from those stereotypes, projections and desires that have caged it for centuries, thus leaving it intact in its nakedness. Among the female photographers and performers who stood out for their ability to detect all the contradictions of the human soul with its strength and cruelty, in the same way as the relationship between self-individuality and the outside world, Francesca Woodman’s photography and Gina Pane’s body art chose the female body as the starting point.

Francesca Woodman’s works span over a period of nine years, from 1972 to 1981. Born in Colorado, she received her first camera as a present at the age of thirteen, a tool that over time allowed her to feel free, escaping social conventions and showing a complex interiority that could never be labelled. Her shots capture herself, but also her friend and collaborator Sloan Rankin Keck and her partner Benjamin Moore. Her portraits are mostly black-and-white female nudes, often characterised by blurred and obscured faces (an effect Woodman achieved through long exposure), a technique that allowed the artist to create the typical blending of the body with the environment.

Some Disordered Interior Geometries is her only work, a collection of photographs, published by Francesca in January 1981. That same month, in fact, her artistic career came to an abrupt stop. At only 22 years of age, the young woman took her own life by throwing herself out of a loft window in New York’s East Side.

In Some Disordered Interior Geometries the artist intervenes by inserting shots and annotations in a geometry textbook for Italian students named “Esercizi Graduati di Geometria”. Francesca Woodman is thus confronted with the disruptiveness of the body dialoguing with inanimate objects, an overlapping “still life” as a response to a series of geometric shapes illustrated in the textbook. These geometries are in fact recreated by the artist using the vitality of the body, but also the spaces between furniture, walls and building floors.

Peeling wallpaper, walls of abandoned houses blend in with her nudity. In that precise moment, where pleasure amalgamates with pain and sensuality mixes up with harshness, Francesca Woodman gives voice to her imagination, loses herself in her physicality in relation to the context; a metamorphosis that is found in her black-and-white and small-format works, collected in notebooks and diaries. Together with her figure, which is often the protagonist of the shots, space is filled by nature with forests, birds and trees, elements of a tale soaked with melancholy and sadness. Here the division between subject and object gives way to a transformation characterised by a surrealist feel, thus creating a unique poetics in the history of photography.

Body can also represent the link between the invisible and the earthly. Gina Pane expressed this idea in an utterly revealing manner. This Italian-French exponent of body art and sculptor made the body an important tool in her artistic research. Born in France from an Italian father and an Austrian mother, her work has always been focused on the divine thinking, but through the lenses of human consciousness, made of blood and bones. To fully understand the depth and scope of her artistic revolution, it is important to dwell on her entire research, which used different languages over the years to investigate the intrinsic relationship between nature and human. The first phase of their works is centred around the actions of natural phenomena with Dessin verrouillé (1968), Pierres deplacées (1968), Peche endeuillée (1968) and Stripe-Rake (1969).

On the other hand, during the second phase of her artistic career, the female body becomes a sounding board, through which the artist communicates the experience of shared suffering with her audience. In “Il bianco non esiste“ Gina Pane wounds her face with a razor blade. Every wound symbolizes the abuses suffered by women and each cut becomes an expression of a shared female pain. In her best-known performance, “Azione sentimentale”, the artist investigates the role of martyrdom, but also the stereotype of women in the role of bride, wife and mother. The action took place in 1973 in Milan’s Galleria Diagramma and in Paris at the Centre Pompidou.

Gina Pane presents herself to her audience, composed by only women, dressed in a white suit (a clear reference to the Catholic bride) and holding a red roses bouquet and a white rose one. Slowly, the performer removes the thorns from each rose and thrusts them onto her arm so that the blood that stains the white of the garments flows out, and the bouquet of red roses is replaced by white flowers. Every gesture in the performance is a ritual. Thorns symbolise the torment inflicted on women, while the body takes on its revealing function. Body is fragile and human, and all the violence and aggression of which we are victims every day is expressed on it.

These two artists, Francesca Woodman and Gina Pane are united by a research that makes their bodies a starting point and an expressive key to reflect on themselves and on the limit imposed by human suffering. This non-frightening mirror offers a deconstructed and revolutionary perspective on the world and a mean to unhinge language, underlining how classical means of expression can be totally inadequate in those circumstances.

Articolo di Greta Esposito
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